Fri. Aug 12th, 2022


Hola a todos y bienvenidos de nuevo a Wrong Every Time. ¿Todos ustedes están bien? Francamente, me siento un poco letárgico en este momento, pero afortunadamente, mis tareas actuales son en gran parte mecánicas. Solo tengo que escribir este párrafo inicial aquí, encontrar algunas capturas de pantalla para las características de la semana y conectarlo todo al CMS: perfecto trabajo de tarde perezoso, después del cual estaré despejando mi mente con un buen trote. Dejando a un lado mis microestados de ánimo, esta semana tenemos una colección bastante interesante de películas, que van desde otro clásico de Hitchcock hasta el Top Gun original. No puedo imaginar que agregaré algo al discurso de Top Gun que no haya sido repetido mil veces, pero sería un crítico terrible si permitiera que mi redundancia intelectual me impidiera abrir mi gran boca. ¡Comencemos con una falla trágica de uno de mis directores favoritos, mientras avanzamos en una nueva semana en revisión!

Habiendo visto ya todas las “buenas” películas generalmente acordadas de John Carpenter, nuestras incursiones en sus películas menos aclamadas comenzaron con la producción de finales de los 90. vampiros. Y aunque me encantaría decirles que esta es en realidad una joya escondida, el consenso lamentablemente se mantuvo: Vampiros apesta un poco, y no es una película que recomendaría a nadie más que a los más acérrimos finalistas de Carpenter.

Seguro que hay interesantes elementos en Vampiros. Lo más destacado es que los intentos de la película de crear un “western de vampiros” dan como resultado algunas colisiones tonales únicas, con el aspecto mugriento y claustrofóbico de la obra general de Carpenter presionando torpemente contra sus intentos de evocar la grandeza a través de una cinematografía abierta, o el patetismo a través de secuencias persistentes de hombres estoicos conduciendo lugares. Pero junto con la torpeza general de ejecución de la película, se ve arrastrada perpetuamente por un tono mezquino y juvenil que emana tanto de su actor principal (un James Woods perfectamente / desafortunadamente elegido) como de su guión implacablemente feo.

vampiros es un significar película, y no mala en el tipo de estudio interesante y torturado de personajes. Es mezquino en la forma en que un matón del patio de recreo te empuja hacia abajo, luego comienza a llamarte con insultos homofóbicos cuando lloras, un comportamiento que esperaría fácilmente de cualquiera de los protagonistas de esta película. La película emana la bravuconería cruel de la masculinidad enojada, y dado que carece de la tensión o la inspiración conceptual del mejor trabajo de Carpenter, realmente no hay nada en lo que concentrarse. excepto esa fealdad de espíritu. Un punto bajo desafortunado en una carrera de director, por lo demás, sórdida pero repleta de estrellas.

Afortunadamente, el reciente lanzamiento de Shudder La bodega sirvió como un excelente limpiador del paladar y otra excelente entrada en mi amado subgénero de “arquitectura malévola”. The Cellar se centra en una familia que acaba de mudarse a una ominosa casa de campo, llena de puertas que chirrían y símbolos extraños, que por alguna razón están seguros de que enriquecerán la vida de sus hijos de una manera no mencionada. Por supuesto, los fantasmas habituales comienzan con mucha prisa, y pronto la hija adolescente de la familia es arrebatada por una criatura en el sótano. Aunque los policías sospechan explicaciones mundanas, la madre de la niña sabe que algo siniestro se llevó a su hija y se embarca en un viaje para descubrir los terribles secretos de la casa.

Hombre, me encanta una historia donde la casa es el monstruo. Aunque las actuaciones y la dirección son perfectamente razonables, la estrella de The Cellar es la casa, y es una Damn Good House. Extraños símbolos góticos sobre todas las puertas, siniestros registros antiguos que zumban listas de números y escaleras cuyos destinos cambian según los caprichos de su dueño. Desde el momento en que insistieron en que la bodega titular tuviera “solo diez escalones”, supe que estarían haciendo una mierda malvada con ese pronunciamiento, y ciertamente no me decepcionó. Aunque francamente no es la más aterradora de las películas de casas embrujadas, The Cellar posee invención narrativa, fantasía visual y desorientación arquitectónica más que suficientes para servir como un buen ejemplo de por qué los edificios deberían dar miedo con más frecuencia. Si hay una adaptación más cercana de SCP-087 por ahí, quiero oír hablar de eso!

Nuestra siguiente función fue Sombra de una duda, una de las primeras películas de Hitchcock protagonizada por Teresa Wright como Charlotte, una adolescente profundamente aburrida, y Joseph Cotten como su amado tío Charlie. Completamente fatigada por la mundanidad del mundo y sus propios padres de mente estrecha, el deseo de Charlotte de una existencia más apasionante se cumple cuando el tío Charlie llega para quedarse con la familia. Charlotte ve a su tío como un faro de mundanalidad y emoción, pero las extrañas discrepancias en su comportamiento pronto generan dudas sobre su verdadera naturaleza. Y cuando llegan dos hombres del gobierno con aún más preguntas, Charlotte comienza a darse cuenta de que el resto del mundo podría no ser un lugar tan glamoroso.

Como muchas películas de Hitchcock, Shadow of a Doubt enciende una mecha al principio y se niega a mirar hacia otro lado, dejando que la amenaza de una eventual explosión saque a la audiencia de sus asientos. Joseph Cotten es efectivamente afable y aún más efectivamente aterrador, su máscara se desliza cada vez que se ve obligado a enfrentarse a las “alimañas” que lo rodean. Los discursos de Cotten, así como la estructura estrictamente restringida de la película, recuerdan el estilo al que Hitchcock regresaría más tarde con Rope, pero a diferencia de la experimentación estructural de Rope, Shadow of a Doubt está más interesada en ser un drama familiar, y no hay James Stewart por venir. para salvarlos.

Si bien Cotten actúa magistralmente como el monstruo al acecho de Shadow of a Doubt, es Teresa Wright quien define y eleva la película. Su aburrimiento adolescente es palpable, y la voluntad de la película de dejar que los personajes literalmente hablen entre sí significa que sus primeras escenas domésticas suenan mucho más auténticas que la mayoría de los cuadros familiares. Cada uno de sus hermanos y padres se analizan como personas reales y reconocibles, lo que hace que sea más fácil invertir en lo aburridos que Charlotte los encuentra a todos. Igualmente convincente es su temprana adoración por el tío Charlie, una especie de amor de cachorro que deposita en él todas las esperanzas y expectativas que ella tiene para el futuro. real mundo.

Desafortunadamente, el mundo real es un lugar mucho más oscuro de lo que esperaba. Sin el heroico James Stewart o Cary Grant en la mezcla, depende de Charlotte salvarse, diferenciándola de la lista general de heroínas fingidas de Hitchcock. En cambio, Charlotte debe deshacerse de sus expectativas infantiles y convertirse en una genuina femme fatale, eventualmente incluso enfrentando a su tío y la policía para poder aprovechar mejor su verdadero objetivo. ¿Y ese gol, al final? Para evitar que su madre supiera la verdad sobre su amado hermano menor, una revelación que destrozaría su visión ingenua e idílica de la naturaleza humana y mancillaría el único vínculo que la definía como individuo por derecho propio. Como explica su madre con lágrimas en los ojos, es fácil quedar tan atrapada en ser esposa o madre que “olvidas que eres una persona en absoluto”. en su mente, el último fragmento que la define en su rígida existencia doméstica.

¡Hay tanto para profundizar allí! A través de la gran fragilidad de su madre, llegamos a ver que Charlotte tenía razón sobre la muerte lenta de la existencia suburbana, incluso si sus visiones del mundo “real” eran imposiblemente doradas. Y a través del tío Charlie, se ve obligada a familiarizarse con la enorme oscuridad que existe más allá de su patio cuidadosamente cuidado, las fuerzas de la violencia y el olvido que su madre ni siquiera tiene el vocabulario para describir.

Escena por escena, Charlotte debe navegar cuidadosamente estos mundos contradictorios, evolucionando hasta convertirse en una persona que puede derrotar a Charlie antes de que él la destruya a ella. El guión de la película convierte sus filosofías en una poesía corrupta, el trabajo de luces y sombras evoca la feroz batalla de sus verdaderas naturalezas, y los personajes de fondo expresan colectivamente la perspectiva lasciva del propio Hitchcock, mientras los amigos discuten distraídamente sobre la anatomía de un crimen perfecto desde la seguridad de sus hogares. salas. Siento que los personajes femeninos de Hitchcock son a menudo su defecto fatal, pero en Shadow of a Doubt, vemos a una heroína que se une activamente contra sus sombrías fascinaciones y las supera, que soporta el crisol del noir y emerge más sabia y fuerte, mientras aún posee una esperanza genuina de el mundo. No me sorprende que esta sea la película favorita de Hitchcock, ya que se siente como la única película en la que el protagonista realmente lo golpea y se niega a creer que el mundo es tan despiadado como él. North by Northwest es más expansivo y Vertigo es formalmente más impresionante, pero en Shadow of a Doubt vemos a Hitchcock en guerra consigo mismo, y los resultados son impresionantes.

Con su secuela ahora en los cines, parecía que ya era hora de ver finalmente el original. arma superior. Era escéptico de que cualquier película pudiera hacer que las peleas de perros modernas fueran particularmente interesantes, ya que parecía que la tecnología había despojado en gran medida al combate aéreo de cualquier drama visual. Nuestros jets son demasiado rápidos, sus armas están demasiado automatizadas y todo sucede demasiado rápido. ¿Realmente puedes hacer una película de acción convincente a partir del combate a reacción?

Bueno, resulta que estoy equivocado y también soy estúpido, porque Top Gun se eleva tanto literal como metafóricamente cada vez que sus personajes se suben a un avión. Las secuencias de peleas de perros de la película son variadas y emocionantes, y la dirección y el guión facilitan seguir los ritmos esenciales del drama. De principio a fin, cada secuencia de vuelo real es un regalo espectacular.

Por supuesto, como lo atestiguaría la reputación de la cultura pop memeficada de Top Gun, todas las escenas Entre esos vuelos son evidentemente ridículos. El partido de voleibol aceitado básicamente resume el material centrado en el personaje de Top Gun: tenue machismo envuelto en un vasto pozo de homoerotismo, mientras Tom Cruise y Val Kilmer se miran fijamente desde el otro lado de la pista. El romance de Cruise con Kelly McGillis es un desperdicio poco convincente de material fílmico, pero por lo demás, la película está tan llena de frases tontas y serias y estrellas que odian que es difícil sentirse decepcionado. Top Gun no es realmente un bueno película, pero sin duda es entretenida, y sirve como una entrada esencial en el subgénero “película macho de los 80 que se esfuerza por ser genial y se extiende directamente al campamento”.

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