Sun. Sep 25th, 2022


Hola a todos y bienvenidos de nuevo a Wrong Every Time. Esta semana tengo una selección inusualmente oportuna de películas para todos ustedes, después de ver algunos de los últimos lanzamientos de transmisión junto con la bolsa de sorpresas habitual de películas más antiguas. También me he estado preparando lentamente para ver algunos animes que se emiten actualmente la próxima temporada; alejarse de la rutina ha sido encantador, pero me imagino que Mob Psycho y Chainsaw Man serán una cita para ver, con Do It Yourself también buscando ser una producción potencialmente impresionante. No estoy muy entusiasmado con el brillo visual estilo Jujutsu Kaisen de los tráilers de Chainsaw Man, pero incluso un Chainsaw Man que ha sido homogeneizado en la “estética de prestigio de acción” actual del anime debería ser un momento divertido. Mientras tanto, mi compañero de casa ha estado avanzando a través de Naruto a un ritmo realmente alarmante, que no ha sido exactamente la experiencia reveladora de One Piece, pero al menos me ha presentado momentos destacados fantásticos como la gran pelea del 3er Hokage, o el enfrentamiento de Sakura con el Akatsuki. Cada vez es más fácil apreciar las fortalezas distintivas de animadores específicos, lo que a su vez me ayuda a adoptar un enfoque más holístico para el análisis del anime. Pero dejemos de lado la rutina de sakuga por un momento y exploremos una nueva selección de películas. ¡Es hora de la maldita Semana en Resumen!

Nuestra primera proyección de la semana fue Hombres, la última película del escritor y director Alex Garland, quien anteriormente dirigió Ex Machina y Annihilation. Al igual que ambas películas, Men es espeluznante, sofocante y está impregnada de una ambición temática salvaje. La película está protagonizada por Jessie Buckley (la estrella dinamita de I’m Thinking of Ending Things, aquí demostrando que en realidad fingió el perfecto acento estadounidense de esa película), quien decide tomar unas vacaciones en el campo después de la muerte de su esposo. Allí es amenazada por una serie de asaltantes inexplicables, mientras que no recibe ayuda de los hombres de apariencia extrañamente similar de la aldea.

La primera mitad de Hombres es casi perfecta, utilizando el telón de fondo alternativamente encantador y siniestro del campo para presentar un retrato cada vez más urgente de la violencia de género. Buckley y Garland trabajan en perfecta sinergia, el ascenso y la caída de las emociones de Buckley se reflejan en la fotografía y el excelente diseño de sonido de Garland. Dado el tono a menudo clínico de las películas anteriores de Garland, me preguntaba si el reino fantástico del terror popular realmente funcionaría para él; Resulta que Garland parece estar tan en casa recorriendo los bosques y encontrando horrores inexplicables como detallando los terrores lejanos de la ciencia ficción.

El “monstruo” de los Hombres es más una entidad colectiva que una sola criatura, representada a través de los actos mayores y menores de misoginia que impregnan la sociedad. Incluso los conocidos masculinos más comprensivos de Buckley la enmarcan como indefensa y propensa a ataques de histeria, mientras que otros van desde insultar directamente hasta insinuar que ella es responsable de la muerte de su esposo. El toque más sorprendente de la película es el elenco de Rory Kinnear, un hombre cuyo rostro está pegado a cada hombre que conoce en el pueblo. Su presencia ineludible representa una amenaza clara y apasionante: el desprecio colectivo por la agencia femenina compartido por todos los participantes de esta cultura, lo que lleva a Buckley a creer verdaderamente que su esposo abusivo y manipulador fue todo menos la causa de su propia muerte.

La última explosión de la película en el horror corporal y el ritual popular no es tan efectiva como la primera mitad, aunque ciertamente llama la atención a su manera. Garland simplemente no puede quedarse con el aterrizaje en este, con los comentarios sociales de la película y los dispositivos fantásticos que nunca se solidifican del todo a la manera de las conclusiones de Ex Machina o Annihilation. Es su película más desordenada, sin duda, pero también fascinante y llena de maravillas, obra de un director de gran talento que se resiste a contener sus ambiciones. Dejando a un lado los problemas, la película me cautivó y no puedo esperar a ver qué crea a continuación; incluso en sus tropiezos, Garland es más interesante que casi cualquier director que trabaje hoy.

El siguiente fue Agua Negra, una película australiana sobre tres viajeros que se topan con un cocodrilo notablemente persistente mientras exploran unos manglares. El escenario de la película es esencialmente toda la razón de su existencia: los manglares abarcan un sinfín de árboles larguiruchos medio sumergidos en las aguas del título, ofreciendo una red irregular de seguridad demasiado delgada sobre el dominio del cocodrilo. La dinámica de las aguas de los manglares coloca a Black Water en algún lugar entre la característica de la criatura y la supervivencia en la naturaleza, con el tiempo y la sed presentando una amenaza tan grande como esas grandes mandíbulas de cocodrilo.

Black Water explota sus variables dramáticas con cuidado y éxito, presentando una serie natural de desafíos crecientes a medida que nuestros héroes buscan una ruta de escape. El cocodrilo también se usa bien, con sus raras apariciones en la primera mitad que hacen que el pantano parezca aún más siniestro. Las características de criaturas minimalistas como esta tienen que ver con ajustar las apuestas y aclarar el campo de batalla: con la configuración adecuada, diez metros de agua abierta se pueden transformar en un tramo de distancia imposible. Black Water clava su configuración, paga generosamente con su seguimiento y, en general, se destaca como una característica de criatura de alta calidad.

Luego revisamos la secuela Predator recién lanzada Presa. Técnicamente una precuela, supongo, ya que esta tiene lugar en 1719, pero la franquicia Predator nunca ha sido particularmente grande en cuanto a la continuidad. La mecánica de cualquier película Predator es simple: un cazador de caza mayor fuertemente equipado del espacio llega a la tierra, elimina a los enemigos más fuertes que puede encontrar y finalmente es vencido por un oponente que burla y supera las ventajas inherentes del depredador. La fuerza de una película de depredadores proviene de cómo embellece y ejecuta esos fundamentos, y Prey hace ambas cosas muy, muy bien.

La película se centra en Naru, una joven comanche que está siendo entrenada como sanadora, pero sueña con ser una guerrera como su hermano Taabe. La primera y mayor fortaleza de Prey es que Naru y su mundo no son una ocurrencia tardía. Naru es una protagonista convincente y multifacética, su relación con su hermano es matizada y atractiva, y la atmósfera general de su mundo se ilustra con gran atención al detalle. Prey es lo suficientemente convincente como una historia de la mayoría de edad teñida de acción que la presentación del depredador casi llega como una grata sorpresa, en lugar de un giro que hemos estado esperando con impaciencia.

Y cuando el depredador lo hace sucede, Prey ciertamente no escatima en revelar su horrible poder. El hecho de que Naru y sus compatriotas sean cazadores entrenados en su propio bosque en realidad los hace mejor equipados para este tipo de batalla que Arnie y su escuadrón, lo que complementa la carnicería de la película con muchas más florituras de estrategia y coreografía de combate. Y si está buscando momentos más tradicionales de “el depredador arruina absolutamente a todos”, un grupo de tramperos franceses con algunos instintos de autoconservación seriamente debilitados estarán encantados de brindarle. Combine todo eso con la excelente cinematografía de las películas, y terminará con lo que es fácilmente la mejor película de Predator desde la original, y una visita obligada para cualquier fanático de la acción de ciencia ficción.

Continuando con las funciones recientes, luego vimos la película de Netflix recién estrenada Turno de dia, protagonizada por Jamie Foxx como un cazador de vampiros con mala suerte que se asocia con Dave Franco, que empuja el lápiz. El guión de Day Shift es un tipo familiar de pésima, que evoca el rechinar de dientes machismo de algo así como una película de Michael Bay. Afortunadamente, el director primerizo y coordinador de especialistas desde hace mucho tiempo, JJ Perry, aporta todo el peso de su experiencia a las abundantes escenas de acción de la película, ofreciendo una generosa variedad de peleas, persecuciones y tiroteos de principio a fin.

Si bien Foxx y Franco están algo limitados por la narración cansada de policías amigos de la película, el elenco secundario de la película llega a ser versiones deliciosamente exageradas de sí mismos. Snoop Dogg se está divirtiendo demasiado como un legendario cazavampiros, Peter Stormare está perfectamente elegido como un traficante de colmillos de callejón y Scott Adkins se le ofrece precisamente una secuencia destacada de saltos atrevidos y patadas explosivas. Adkins ha estado grabando una increíble película de acción tras otra en los últimos años (The Debt Collector, Triple Threat, Avengement), y en este punto ya está muy atrasado para un gran avance. Si esto y su papel en el próximo John Wick pueden impulsarlo más allá del mercado directo a video, será más que merecido.

Junto con todas las películas, también me colé en otra visualización de anime en los últimos meses, conectándome constantemente a Registro de la guerra de Lodoss. Lodoss era una de esas franquicias que parecían venerables y antiguas cuando comencé a ver anime, con el atractivo perdurable de los diseños de personajes del programa que le dan un aire de canonicidad de anime. Habiendo visto el segmento más estimado de la franquicia, su decimotercer episodio OVA, me di cuenta de que la razón de su reputación perdurable es en realidad bastante diferente: Deedlit es muy, muy lindo.

Sí, Deedlit es realmente lindo, y su diseño encarna tanto la estética de una época como la versión general del anime de la alta fantasía al estilo de Tolkien. El diseño visual más grande de Lodoss War también es excelente, con la serie que cuenta con personajes impresionantemente detallados, abundantes líneas delgadas y muchos fondos evocadores. La complejidad de los diseños de la producción requiere esencialmente una relativa quietud de la animación, pero eso realmente no me importó; más decepcionante fue el hecho de que la historia de la OVA simplemente no es buena.

La serie comienza bastante bien, siguiendo al guerrero humano Parn, el mago elfo Deedlit y su grupo de aliados generalmente equilibrados mientras investigan mazmorras y se enfrentan a dragones. Desafortunadamente, después de solo unos pocos episodios, la historia se desvía hacia un arco de guerra que amenaza el continente y abandona todo lo divertido de la narración de D&D, a favor de un conflicto completamente genérico de “las fuerzas oscuras están resucitando”. La historia de Lodoss War se siente más como una plantilla que como una narrativa real, sin la especificidad del drama o la fuerza de la escritura de los personajes para provocar una sensación de inversión en su historia en curso. El espectáculo es un objeto estético interesante, pero eso es todo; Me alegra tener más contexto sobre una de las heroínas más perdurables del anime, pero me gustaría que su historia fuera un poco más convincente.

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